CINQUECENTO

Si quieres acceder a una presentación que te ayude a familiarizarte y memorizar las obras de arte de referencia para el estudio del CINQUECENTO, según la Orden ECD/1941/2016, de 22 de diciembre (BOE 23/12/16) teclea sobre la imagen:

EL RENACIMIENTO ITALIANO: EL CINQUECENTO

El siglo XVI (cinquecento en italiano), supone la culminación y el triunfo de la renovatio vestustatis (Renovación de lo viejo) que los humanistas italianos habían iniciado ya en el siglo XIV y que tendrá como resultado lo que hoy denominamos RENACIMIENTO. El Cinquecento es la época del apogeo de las ideas de renovación del arte clásico y se materializa en la existencia un amplio elenco de artistas que situarán a Italia como referente de la cultura y el arte europeo.

ü  Vuelta a los valores estéticos y artísticos del mundo clásico, especialmente del romano. ü  Se centra en imitar, conocer y analizar la naturaleza. ü  Búsqueda de la perfección en la representación. ü  El Arte es ciencia, se realiza mediante un método transmisible, al igual que ocurre con el resto de ciencias. ü  El artista deja de ser un artesano y empieza a valorarse como un arte liberal. ü  Los conocimientos y la Historia del Arte pasan a incluirse como una materia que debe de estar en la formación de los príncipes y la gran nobleza. ü  Aparece la ciencia de la Historia del Arte, cuya primera figura será Giorgio Vasari. ü  Por este motivo se desarrollaron los estudios de la teoría de las artes y en la recuperación de texto clásicos como los de Vitruvio, Frontino o Plinio.  ü  Los artistas del Cinquecento son lo que conocemos como "Personas del Renacimiento", que gustan de estudiar y desarrollar no sólo la pintura y la escultura, sino también la arquitectura, la ciencia, las matemáticas, la química, etc. ü  Se incluyen las aportaciones de la ciencia al arte. ü  Las obras de arte dejan de ser un mero instrumento de mercancía y se convierten obras con validez cultural universal y expresión reconocida de forma generalizada.  ü  En la parte final, los genios creadores, rompen la norma de forma intencionada que se aplica de formas personales para dar mayor expresividad y contenido: Manierismo. ü  El Manierismo no es un movimiento anti-clásico, sino una nueva forma de afrontar el lenguaje clásico.

Dentro de este gran movimiento destacarán una serie de artistas:

ARQUITECTURA	Bramante	El templete de San Pierto in Montorio.
	Palladio	Villa Rotonda (Villa Capra).
ESCULTURA	Miguel Ángel	Tumbas Mediceas David Pietá Moisés.
PINTURA	Miguel Ángel	Bóveda de la Capilla Sixtina

Ahora, veamos cómo afectan o influyen estas características en cada una de las artes y de los artistas.

ESCULTURA: LA FIGURA DE MIGUEL ÁNGEL

La figura de Miguel Ángel supone la transformación más destacada y espectacular de la escultura italiana de esta etapa. Su aportación es tan impresionante que prácticamente eclipsa al resto de artistas coetáneos. 

Veamos cuáles son las principales características de este genio de la Historia del Arte.

Comenzó su formación al amparo de Domenico Ghirlandaio, a cuyo taller acudió con solo 13 años. Su genio quedó patente desde el primer momento y muy pronto sus trabajos llamaron la atención de Lorenzo de Médici, que, un año más tarde, lo acogió bajo su protección. Tras la muerte de Lorenzo de Médici, regresa a Caprese, de donde saldrá para volver a Florencia bajo las órdenes de Pedro de Médici. Pero los caracteres del artista y el gobernante chocaron y pronto las desavenencias con el sucesor del que había su primer protector, Lorenzo, hacen que se traslade a Roma.

Ya en Roma, recibirá su primer gran encargo, la Piedad, que lo hará famoso. Después de la Piedad, ya con los Médici fuera de Florencia, retorna a la ciudad del Arno para acometer la que es su obra escultórica más impresionante: el David, donde pueden apreciarse todos los detalles técnicos de la talla de Miguel Ángel Buonarroti, detalles que quedarán igualmente evidentes en otra de sus producciones más famosas tras su segunda etapa romana: el Moisés.

Su estilo

Sus obras rompen con el clasicismo imperante aportando una visión nueva que se caracteriza por:

ü  Busca plasmar el realismo, pero sin renunciar a la expresividad y, sobre todo, al movimiento. ü  Deja atrás las composiciones donde la simetría y la armonía de las formas son la tónica dominante. Esculpe figuras en las que los personajes parecen querer salir del bloque, caminar. La serie de los Esclavos son la mejor muestra de ese anhelo que parecen mostrar las figuras trabajadas por el artista renacentista, que se contorsionan como si lucharan por salir del bloque de piedra que las retiene. ü  Uso del contraposto para dar sensación de movimiento, propio de la estatuaria griega que se empleaba para quebrar la frontalidad de la escultura. Se trata de un recurso por el que las figuras se representan con las extremidades opuestas: una de las piernas aparece adelantada, como si fuera a caminar, mientras que la otra está en reposo. Y lo mismo sucede con los brazos. El peso del cuerpo parece descansar en la cadera, que se muestra más elevada por un lado que por otro, y la cabeza está girada a un lado, en un intento de reproducir el movimiento que hacemos con la cabeza cuando andamos. ü  Los protagonistas de sus obras expresan sus sentimientos y expresiones de manera dramática: es lo que se ha denominado la terribilitá. Las características de este estilo lo encontramos en los rostros del David o del Moisés, por ejemplo, que dejan ver ira contenida, dureza, excesiva expresividad, fortaleza. Con solo observar las figuras el espectador se siente empapado de ese vigor que desprenden. Sus personajes muestran miradas penetrantes y profundas. No hay más que fijarse en los ojos de las obras anteriormente mencionadas y sentir el temperamento contenido que manifiesta el personaje. ü  No solo hay tensión en los rostros, también los cuerpos expresan tensión contenida, fuerza. Las poses de sus figuras denotan movimiento, no son estáticas. Son esculturas donde podemos apreciar los profundos conocimientos que el artista de Caprese tenía sobre anatomía, sobre musculatura. Las manos del David son buena prueba de ello, con sus venas y tendones bien definidos. También el torso, las piernas… Toda la musculatura, todos los detalles anatómicos están representados de manera excepcional en esta escultura, salvo un espacio situado en la espalda entre la columna y el omóplato derecho. En el año 2004, una investigación, realizada por Massimo Gulisano y Pietro Antonio Bernabei, especialistas en anatomía humana, puso de manifiesto que en la escultura no se había tallado un relieve o cavidad muscular en esa área del cuerpo y apuntan a que ello no se debió a que el artista florentino lo desconociera, sino a que no contaba con mármol en esa zona de la espalda para esculpir este hueco. ü  Por todo lo anterior, su talla en mármol es majestuosa. Denota un profundo conocimiento del material y de las vetas de la piedra, lo que le daba una gran ventaja a la hora de trabajarla, porque sabía el mejor modo de conseguir el resultado que ansiaba. Además, se aventuró a esculpir algunas obras, como el David, en un solo bloque, cuando lo normal era tallar las esculturas por piezas y luego unirlas. Miguel Ángel disfrutaba con este reto, donde no había margen de error, por cuanto un fallo durante la talla suponía desechar completamente el bloque de mármol.

UN ACERCAMIENTO A SUS OBRAS:

Ahora vamos a cercarnos a algunas de sus principales esculturas. Si tecleas sobre las imágenes podrás acceder a documentos que te ayudarán a entenderlas. Tecleando sobre la imagen de Identificación de las principales características accedes a una presentación que te indica cómo aprender a identificarlas directamente sobre  la obra de arte. Por el contrario si tecleas sobre la imagen se abre un comentario realizado según la estructura que se plantea en este blog en la pestaña de ESCULTURA.

LA PIETÁ DEL VATICANO

EL DAVID 

EL MOISÉS

TUMBAS MEDICEAS

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA DE MIGUEL ÁNGEL

Miguel Ángel Buonarroti, fue lo que se conoce como un artista del Renacimiento. Arquitecto, poeta, escritor, pintor y por encima de todo, escultor.

Sus primeros pasos en el mundo del arte los dio en la pintura. Desde muy joven mostró su determinación por ser artista y dedicaba todo su tiempo al dibujo. Con trece años su padre le puso al servicio del Ghirlandaio como aprendiz, de quien aprenderá la técnica del fresco y el uso de una paleta con colores claros. Sin embargo el mismo comentó que su verdadera formación artística la adquirió copiando a maestros del pasado como Giotto o Masaccio. A pesar de todo este período de formación, la primeras pintura que conocemos salida de su mano es el Tondo Doni de 1504, cuando Miguel Ángel ya era un escultor consagrado. Esta dificultad de encontrar pinturas tempranas del artista florentino se debe a que él se consideraba así mismo y por encima de todo, un escultor y era esculpiendo el mármol como expresaba su verdadero genio de artista. Sin embargo, también nos dejó una imborrable e inigualable pintura. No obstante, su pintura es heredera de su concepción artística ligada a la escultura y el opinaba que la verdadera pintura es la que se parece a la escultura.

Las principales características de la pintura de Miguel Ángel son:

• Dibujo enérgico, imponiendo y supeditando el color a la línea.
• El color es una forma de dar claridad y definición al dibujo, aportando una mayor tridimensionalidad. Este era un pensamiento muy extendido en la Florencia del siglo XVI.
•  Uso de una paleta con colores brillantes, claros, en donde predominan ocres claros, amarillos, carmines, verdes y azules que evocan el mar y el cielo.
• Predominio y gusto por el desnudo humano, en especial del masculino al estilo clásico, que él consideraba la armonía de la belleza y su conexión con la naturaleza. La enorme profusión de desnudos en la Capilla Sixtina, llevó al Papa Pio IV a mandar en 1564 al pintor Daniele Volterra que cubriera algunas de las figuras desnudas de las capillas. Muchos fueron los que, sobre todo desde la iglesia, criticaban los desnudos del artista florentino, pero el siempre decía que los santos y el arte no tienen sastre.
• Estudios anatómicos y reflexión sobre la naturaleza de los cuerpos, a lo que le dedicó mucho tiempo de estudio descuartizando cadáveres en el Hospital del Espíritu Santo de Florencia y no siempre dentro de la legalidad, lo que convierte sus desnudos humanos en verdaderos modelos anatómicos.
• Sus figuras, como ya hemos indicado con anterioridad, se crean como si fueran esculturas, usando el dibujo para marcar su corporeidad y dándoles una gran masa y volumen, que dan como resultado cuerpos robustos.
• Presencia de los efectos de la luz sobre los cuerpos, provocando zonas en las que contrastan luces y sombras, lo que aporta una gran sensación de masa a los cuerpos y figuras.
• Efectos visuales que dan a las figuras una gran movilidad: escorzos radicales, torsiones violentas, contrapostos radicales, formas serpentinatas…
• Gran dinamismo en las escenas.
• Uso clásico de las composiciones, pero con una aplicación libre y personal (Manierismo) en los que predominan simetrías, la proporciones y perspectivas aplicadas de forma libre y sin cánones preestablecidos.
• Desaparición casi total de los fondos y los paisajes, de esta forma, el espacio en el que se desarrollan las escenas aparece inconcreto, poco determinado.
•  Uso del fresco como soporte y técnica fundamental, muy en la tradición italiana de la época.
•  En la última etapa de su vida, su concepción artística se radicaliza y lleva el desnudo hasta el límite realizando interpretaciones muy manieristas de los cuerpos y las posturas. Desaparece la serenidad y el orden clásico y sus movimientos dramáticos presagian ya el Barroco.

SUS OBRAS

Su principal obra es sin duda alguna la decoración de la Capilla Sixtina, bóvedas y frontal/cabecera del altar, un encargo hecho por el papa Julio II, para rebajar la tensión y el desagrado que había causado en el artista abandonar el faraónico proyecto de la tumba del Papa.

Aunque el artista no fue muy entusiasta con el encargo, se dedicó a ella en cuerpo y alta y en solitario, dedicándole cuatro años de su vida (1508/12) en condiciones de trabajo muy difíciles, que le pasaron una gran factura de salud. El mismo comentó que al finalizar la obra, había envejecido tanto que algunos de sus amigos no le reconocían.

Podemos destacar dentro de su obra en pintura:

Si tecleas sobre la imagen podrás acceder a la Capilla Sixtina de forma virtual y pasear por ella, deteniéndote en los detalles y espacios que quieras.